Dennis Hollingsworth

coils of paint

In preparation for the exhibition of the past summer's painting in Tossa de Mar, Spain, Miguel wanted me to write about the paintings and render a title for the show. When it comes to titles, I usually probe the archives of this blog and divine a moniker for subject at hand. For example, this is how I titled my 2008 exhibition at Miguel Marcos, . My "divining rod" twitched significantly when I perused the blogpost documenting a night dive round Cap Tossa, the flash of lighting at night, at sea, the sudden illumination of your surroundings... that vividly describes moments in the studio as well.

This time, took a different tack. I wanted to flash a light on the significance of a seemingly slight change in process and what that might mean in regards to my overall project, the arc of this now long in the tooth alla prima, impasto, phat painting. Miguel's staff had based their press release on my notes and necessarily, the official release is terse and to the point, an acorn of the oak tree but still an oak. Here is a little more of the DNA of that oak, my original notes sent to Miguel. There is much more of the oak to delineate, I will try to write about it as I travel during the coming week... that is, if my friends don't get me too drunk along the way.

Immanence

Until early last year, for almost twenty years, I had been painting in what could be called a discovery procedure. Paintings had emerged from blank canvas to image as if they were conjured. My practice had undergone a sea change in 2014 with the inscription of an image at the beginning of painting via the use of drawing and masking. If the former approach could be considered transcendent with the arrival of the image, the latter by its contrast would then suggest immanence. Eschaton, reversed. With the incarnation implanted into the beginning, facture becomes better focused, the kind of painting that I have always sought. The seven paintings in this exhibition at Miguel Marcos Gallery are a précis of this focus, this shift.

Throughout, my orientation and attitude to art and painting have remained constant. I had emerged from art school in revolt against a disbelief in painting bestowed by the previous generation, a disbelief that had manifested itself in relentless negation, an aporia induced by a romantic fascination with limitlessness and a strange desire to dematerialize painting into "pure visuality". Instead and against this, I reveled in an entanglement of the physical body of paint, and sought to realize the paradox that a window to the infinite could be engineered by an interrelation of limits.

Facture itself is the interrelation of limits, it is the very quality, handling and execution of painting. By front loading the image of the painting, I hope to see better and show better the beauty of the entanglement of paint. I can only refer to my intuition to justify the recurring image to my mind of Agesander's marbled Laocoön and his sons ensnarled by Minerva's serpents, he must have yet felt some kind of joy as the witness to truth against the tide of history, I see the coils of paint much in the same way.

My procedure ensued as follows: Drawing precedes the mask and onto this, paint embroils the surface of the canvas, clouding the initial sketch to obscurity. The mask is removed, recovering the drawing in negative and virgin canvas (I salute Cézanne, who always let his ground breathe), a measure of simplicity is restored. Monads fall onto the face, tempering and editing away imperfections with a quantum of complexity. All the while, as paint is expended from an initial refinement and marbled into mud, the excess paint is reserved to the side. With a final gesture, this cache, this surfeit is flung back onto the painting in vertical strings, an ecological loop or a dirty martini (take either one as your choice of metaphor, I like both).

Throughout all of this, the image (of G-d?) is embedded in the beginning and in the end is entangled in knots of paint. Facture become better entwined with image. Both are inherent, pervading and sustaining in the paintings. This, is immanence itself.

Inmanencia

Hasta principios del año pasado, durante casi veinte años, yo había estado pintando en lo que podría llamarse un procedimiento de descubrimiento. Pinturas habían surgido de lienzo en blanco a la imagen como si se conjuraron. Mi práctica había sufrido un cambio radical en el 2014 con la inscripción de una imagen en el comienzo de la pintura a través del uso del dibujo y el enmascaramiento. Si el primer enfoque podría ser considerado trascendente con la llegada de la imagen, el último por su contraste entonces sugeriría inmanencia. Eschaton, invierte. Con la encarnación implantado en el principio, facture llega a ser mejor enfocada, el tipo de pintura que siempre he buscado. Las siete pinturas de esta exposición en la Galería Miguel Marcos son una précis de este enfoque, este cambio.

En todo momento, mi orientación y actitud ante el arte y la pintura se han mantenido constantes. Yo había salido de la escuela de arte en la rebelión contra una falta de fe en la pintura otorgado por la generación anterior, una incredulidad que se había manifestado en la negación incesante, una aporía inducida por una fascinación romántica con lo ilimitado y un extraño deseo de desmaterializar la pintura en "pura visualidad" . En lugar de ello y en contra de esto, me deleité en un enredo del cuerpo físico de la pintura, y busqué a darse cuenta de la paradoja de que una ventana al infinito podría ser diseñado por una interrelación de límites.

Facture en sí es la interrelación de los límites, es la calidad muy, manejo y ejecución de la pintura. Por delante de cargar la imagen de la pintura, espero poder ver mejor y mostrar mejor la belleza del enredo de la pintura. Sólo puedo referirme a mi intuición para justificar la imagen recurrente en mi mente de jaspeado Laocoonte de Agesander y sus hijos enredado por las serpientes de Minerva, debe todavía haber sentido algún tipo de alegría que el testimonio de la verdad contra la corriente de la historia, veo el bobinas de pintura mucho de la misma manera.

Mi procedimiento se produjo de la siguiente forma: Dibujo precede a la máscara y en esto, pintura enreda la superficie del lienzo, enturbiando el boceto inicial a la oscuridad. Se quita la máscara, recuperando el dibujo en lienzo negativo y virgen (Saludo a Cézanne, que siempre dejaba respirar su tierra), se restaura una medida de la simplicidad. Mónadas caen sobre la cara, el temple y la edición de las imperfecciones con un cuanto de complejidad. Todo el tiempo, ya que la pintura se gasta de un refinamiento inicial y jaspeado en el barro, el exceso de pintura está reservado a un lado. Con un gesto final, esta caché, este exceso se arrojado de nuevo en la pintura en cuerdas verticales, un bucle ecológico o un martini sucio (tomen cualquiera de los dos como su elección de la metáfora, me gusta tanto).

A lo largo de todo esto, la imagen (de D'os?) Está incrustado en el comienzo y al final se enreda en nudos de pintura. Facture ser mejores entrelazada con la imagen. Ambos son inherentes, impregnando y sostener en las pinturas. Esta, es la inmanencia misma.